URNE

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Biographie de Urne

Il y a des moments dans la vie où l'on a l'impression que l'obscurité va consumer la lumière.

Souffrance. La perte. Le vide qui s'ensuit. Un sablier renversé qui s'écoule inexorablement dans l'ombre froide de l'au-delà, dévorant non seulement les personnes les plus proches, mais aussi toutes les décennies de connaissances et de souvenirs qui leur étaient chères. À distance, nous pouvons nous prémunir contre les sinistres inévitabilités de la maladie, de la démence et de la détérioration de la vieillesse, mais lorsque nous sommes plus intimement confrontés à leur impact, il devient facile d'imaginer quelque démon caché se délectant de la misère causée.

C'est dans de telles circonstances que Joe Nally a commencé à travailler sur le deuxième album sauvage d'Urne, A Feast On Sorrow. "Il y a eu beaucoup de moments sombres", soupire le leader en évoquant deux membres de sa famille atteints d'une maladie dégénérative. "Perdre des gens est une chose horrible ; quand la réalité frappe, cela vous choque. J'étais plein d'émotions refoulées - colère, confusion - et je ne pouvais les libérer que par l'agression. C'est pourquoi cet album est beaucoup plus agressif. Il est beaucoup plus sombre. Notre premier album, Serpent & Spirit, comportait pas mal d'éléments amusants. Il n'y en a pas beaucoup ici".

En effet, ce premier album de 2021, stupéfiant et changeant, est le fruit de toute une vie d'inspiration et d'idées rassemblées par Joe et le guitariste mercurien Angus Neyra. Il s'inspire de riffs écrits à l'origine pour le célèbre collectif de stoner-rock Hang The Bastard et pour le projet de prog-metal Chapters, tandis que des chansons comme Desolate Heart sont le fruit de plus d'une décennie de travail. En comparaison, A Feast On Sorrow est le fruit de deux années d'écriture et d'enregistrement intensifs. Après s'être concentré et avoir accueilli le batteur James Cook au sein du groupe, il s'agissait de relever le défi et de saisir l'opportunité de délivrer une déclaration définitive sur le groupe que ces trois-là sont destinés à devenir.

« Nous avions de nouveaux riffs, un nouveau batteur et tout semblait aller de travers dans nos vies", dit Nally en haussant les épaules. "Nous nous sommes donc inspirés de cette situation. Auparavant, nous étions très clairement influencés par des groupes comme Metallica. Cette fois-ci, il s'agissait davantage de trouver les choses qui fonctionnent pour Urne ! »

Il est intéressant de noter qu'une armée de supporters a fait la queue pour l'aider. Projet passionnel réalisé sans fanfare ni attente, Serpent & Spirit a suscité un culte passionné parmi les fans, mais il a touché une corde sensible chez d'autres artistes : l'absence de gimmick, de contrainte ou d'agenda a fait d'Urne ce que Nally appelle un " groupe de groupe ". Dès le premier jour, des poids lourds internationaux tels que Trivium, Killswitch Engage et Whitechapel et des contemporains britanniques comme Conjurer, Mountain Caller et Tuskar ont claironné sa brillance ou lui ont tendu la main directement. Aucun partisan n'était plus véhément que le bassiste de Gojira, Jean-Michel Labadie, qui allait fatalement insister pour que son leader Joe Duplantier prenne le temps d'accorder toute son attention à Serpent & Spirit.

"Joe nous a envoyé un message sur Instagram pour nous dire qu'il avait écouté l'album et que nous devions rester en contact ", se souvient Nally avec un sourire. "Une semaine plus tard, il parlait de nous dans Revolver !"

Après s'être croisés à Copenhague, Urne a demandé s'il était possible d'utiliser l'installation de classe mondiale du studio Silver Cord de Duplantier à Brooklyn, New York, pour améliorer le son de la batterie de leur deuxième album. Il s'est avéré que non seulement ils étaient les bienvenus, mais que Duplantier lui-même - qui ne travaille qu'avec des amis proches et des favoris personnels comme Car Bomb, Mastodon et Highly Suspect - voulait s'impliquer.

"Joe ne produit pas grand-chose", explique Nally. "Je n'aurais jamais imaginé qu'il nous produise. Mais il m'a répondu : "Bien sûr, vous pouvez utiliser le studio, mais, honnêtement, j'aimerais vraiment produire votre groupe. J'ai besoin d'aimer les gens avec qui je travaille et je pense que je pourrais faire quelque chose de génial avec vous. On s'est dit : "C'est quoi ce bordel ?", mais on a continué à parler et on a fini par fixer une date pour aller là-bas."

Pour souligner son investissement, Duplantier a mis à disposition tous les instruments de Gojira pour l'enregistrement et s'est assuré que Johann Meyer, l'ingénieur du son des géants français, serait présent en studio. Il a également contacté le légendaire Ted Jensen (un vétéran de tout ce qui va de Hotel California des Eagles et Exodus de Bob Marley à Far Beyond Driven de Pantera et Demanufacture de Fear Factory) pour superviser le mastering final. L'implication de ces gourous témoigne de la recherche par Duplantier d'une énergie live et d'un son classique, où les moments de bourdonnement des frettes ou de vacillement des bruits de fond ont été accueillis plutôt qu'éliminés, et où la réflexion hors des sentiers battus a conduit à des grosses caisses pleines de francs suisses et à l'emprunt de l'ampli guitare débutant de son fils Orest pour en exploiter les médiums meurtriers.

« L'approche de Joe était qu'il ne voulait pas toucher aux chansons, il voulait créer le son", souligne Nally. "Aujourd'hui, beaucoup de groupes de métal semblent trop polis. C'est trop clinique. On ne le ressent pas. L'une des choses qui placent Gojira à un autre niveau, c'est que l'on ressent toujours leur message, leur signification. Plus nous avons passé de temps avec Joe, plus nous avons pu voir comment sa magie opère. Sur une chanson, il peut ne rien faire du tout. Sur une autre, il pouvait donner des indications sur le refrain ou le titre de la chanson. Puis, sur la suivante, il était assis en train d'ajouter des percussions supplémentaires aux côtés de notre batteur. Il était très impliqué, mais il s'agissait en fin de compte de nous laisser être notre propre groupe. De plus, le simple fait d'être à Silver Cord était une source d'inspiration. Il y a des lettres partout sur les murs, des héros comme Metallica et Guns N' Roses à Gojira. Sachant que ces gens nous soutenaient, nous ne voulions vraiment pas les décevoir ! »

Le résultat final est tout autre. De la pochette évocatrice et orageuse de la célèbre photographe Rachael Talibart (qui signe là sa toute première pochette d'album) à la musique tumultueuse qu'elle contient, A Feast On Sorrow est une œuvre conçue pour s'écraser dans le subconscient des auditeurs.

L'ouverture foudroyante The Flood Came Rushing In pose un marqueur à 100 milles à l'heure, peignant le déluge de larmes qui a suivi le moment où "You detailed the demise / Of your past and future mind" (Vous avez détaillé la mort / De votre esprit passé et futur) tout en déchaînant une grêle de riffs tranchants. To Die Twice poursuit l'introspection brutale, en demandant : "Qu'est-ce qui mourra en premier ? / Le cœur ? / L'esprit ? / L'Âme ?" en passant d'une intro lugubre à un barrage total. Le morceau-titre joue avec la sévérité du black et du death metal, mais s'oriente vers un territoire prog audacieux qui rappelle Machine Head et Mastodon dans ce qu'ils ont de meilleur à couper le souffle.

Les singles The Burden et Becoming The Ocean offrent sans doute l'entrée la plus immédiate dans le maelström, utilisant la vie de Nally à regarder les vagues s'abattre sur la côte sud de l'Angleterre comme une métaphore de la pression que ressent une famille noyée dans la souffrance de l'un des siens. Elles sont toutefois éclipsées par les piliers épiques de l'album, d'une durée de 11 minutes : A Stumble Of Words et The Longer Goodbye/Where Do The Memories Go. Le premier monologue audacieux et brutal du point de vue d'un esprit défaillant est contrebalancé par la résignation douce-amère et les

faibles lueurs d'espoir du second, mais tous deux s'appuient sur des influences celtiques inattendues - des guitares pleureuses de la légende du blues irlandais Gary Moore au mystère et à la mélancolie de vieux classiques folk comme The Night Visiting Song et The Parting Glass - pour confirmer la vision et la polyvalence stupéfiantes d'Urne.

En même temps, le moment le plus significatif est sans doute l'avant-dernier morceau, Peace. Un interlude de 72 secondes de calme relatif au milieu du chaos, gratté sur une vieille guitare acoustique abîmée, et finalement délivré par Duplantier via une note vocale à la fin de 24 heures difficiles qui ont vu Nally souffrir de crises de panique et d'épuisement à la maison, il s'est avéré être emblématique de la catharsis et de la fermeture que A Feast Of Sorrow est en fin de compte tout au sujet.

« L'histoire personnelle que je raconte dans cet album est toujours en cours, mais j'ai l'impression d'avoir pu dire ce que j'avais à dire", conclut le chanteur. Lorsque j'écoute les dernières lignes de l'album, je me souviens d'avoir étiré ma voix jusqu'à ses limites, d'avoir crié depuis l'extérieur de la cabine vocale, et de Joe qui me disait : "Plus fort ! Plus fort ! Plus puissant ! Je veux que ta voix se brise ! Ce fut une expérience incroyablement cathartique que de pouvoir écrire cet album, de le crier, de l'entendre en retour - et que d'autres personnes le découvrent et en tirent ce dont elles ont besoin, elles aussi. J'ai exprimé mes émotions. J'ai fait sortir mon sens. J'ai fait sortir mon message. Ce que je devais faire est fait. » (Source : Décembre 2023, Live Nation)

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